El Periodo Barroco, su música y formas instrumentales

PERÍODO BARROCO

El barroco es un movimiento cultural o período del arte que apareció en el año 1600, aproximadamente, y que llegó hasta el 1750. El término barroco surge originariamente con un significado peyorativo, a través de los siglos XVIII y XIX se usa como sinónimo de recargado, desmesurado, irracional, hasta la revaloración del término con B. Croce y Burkhart.

El período Barroco se ubica entre los períodos Manierista y Rococó (Aunque algunas definiciones llegan a incluir a ambos movimientos como parte del barroco y por ende lo sitúan entre el arte del Renacimiento y el neoclásico), en un tiempo en el cual la Iglesia Católica tuvo que reaccionar contra numerosos movimientos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y nuevas formas de religión (Reforma).

La palabra “barroco”, como la mayor parte de las designaciones de un período o de un estilo, fue inventada por críticos posteriores más que practicantes de las artes en el siglo XVII y principios de siglo XVIII. Es una traducción francesa de la palabra portuguesa “barroco” (en español sería barrueco), perla irregular, o joya falsa. Una palabra antigua similar, barlocco o brillocco, es usada en el dialecto romano con el mismo sentido. Algunos autores creen que viene de una palabra italiana barocco – una figura del silogismo. Una definición común, antes del término Barocco fue Vuelo de Formas.

El término “barroco” fue después usado con un sentido despectivo, para subrayar el exceso de énfasis y su abundancia de ornamentación, a diferencia de la racionalidad más clara y sobria del siglo de la Ilustración. Fue finalmente rehabilitado en 1888 por el historiador alemán de arte Heinrich Woelfflin (1864-1945), quién identificó al Barroco como oponente al Renacimiento y como una clase diferente dentro del arte. El barroco realmente expresó nuevos valores; en Literatura es abundante el uso de la metáfora y la alegoría. Representa un estado de ánimo diferente, más cerca del Romanticismo que del Renacimiento, aún cuando es un movimiento que nace al mismo tiempo que este último en algunos países.

El barroco, la era del bajo continuo designa peyorativamente a partir de 1750, lo ampuloso y recargado del arte antiguo. Entendemos por Período Barroco aquella época de la historia comprendida entre aproximadamente 1600 y 1750, delimitación hecha por dos hechos importantes concernientes a la música: la primera ópera publicada (1600) y la muerte de Johann Sebastian Bach (1750).

En este período surge el llamado humanismo en donde ahora la música seguiría al texto ya que este último se consideraba como una expresión del hombre. Esto se logró con la presencia de una sola voz con acompañamientos que no la apocaban. Una de las formas básicas del estilo barroco fue el bajo continuo que era una base armónica que se presentaba durante toda la pieza, es decir, estructuras bien definidas en las que se hacen grupos de notas que se van combinando entre ellas.

LA MÚSICA

La música del barroco se consideraba confusa en lo armónico, llena de disonancias, de dificultad melódica, poco natural, desigual. La disposición de ánimo y la razón de ser de una época se reflejan en todas sus manifestaciones. El barroco cultiva el lujo y el esplendor, gusta de la abundancia y lo extremado y amplía las fronteras de la realidad gracias a un ilusionismo fantástico. Esta era se ubica de 1600 con la ópera Orfeo de Monteverdi hasta 1750 con la muerte de J.S. Bach.

El aspecto artístico reflejó fielmente las características sociales de la época. Algunos aspectos detallados de las características en el arte, fueron:

• Abundancia (en cierto término exagerada) de elementos decorativos.
• Explotación y agudización de los contrastes.
• Imitación de la naturaleza.
• Propensión a lo trascendental, a lo solemne y a lo magnífico. – Tendencia a contrastes violentes.
• Valoración de la fugacidad y equilibrio inestable.
• Pasión creciente por la ornamentación
• Tendencia a utilizar formas irregulares.

Estas características fueron comunes a casi todas las naciones, pero a pesar de ello, cada una de ellas desarrolló su aspecto artístico dependiendo de su estructura social y su organización política y religiosa, instituciones que ejercieron gran influencia en el desarrollo del arte.

Una característica importante fue que los detalles del arte en el barroco no se aplicaron a la música. Se buscó en un principio desechar las complicadas líneas melódicas de la polifonía renacentista para dar lugar a la homofonía (la polifonía recuperará más tarde con Bach todo el esplendor que la ha caracterizado), dando de ésta manera más fortaleza y protagonismo al texto, pues la música giraba en torno a una sola melodía bien formada y acompañada por acordes, para que fuera “entendible” el texto. Esto debido en gran parte a la corriente humanista. Y a propósito del acompañamiento, se ideó un sistema de anotación conocido como el bajo continuo. Era una parte para bajo, usualmente escrita para teclado (dado que casi todo acompañamiento en la música barroca era con órgano o clavecín), con unas cifras que señalaban las armonías exigidas.

Otros hechos importantes del barroco musical fueron el nacimiento del género operístico, la improvisación y las primeras formas instrumentales.

Si el arte Barroco representa al hombre, la música barroca representa los afectos y sentimientos de éste. Pero el hombre es concebido todavía como miembro de un todo, no como individuo con libertad personal. Para la música barroca ello no significa representación personal, sino estilizada, de los sentimientos.

En el barroco predomina la música práctica. La música barroca introduce innovaciones:

• Bajo Continuo: Es la base armónica de la música barroca.
• Principio Concertante: Supone una individualización de la vos solista, cuya libertad creadora aumenta aún más con las improvisaciones y adornos.
• Monodia: El barroco busca poner en música con eficacia textos dramáticos o líricos.

FORMAS VOCALES

• Recitativo: Parte de la ópera donde el texto se “canta” como si fuera recitado. En realidad no es una forma vocal bien definida, pero cabe dentro de este análisis.
• Aria: Es una composición musical, o una forma, para una sola voz y con un acompañamiento de uno o varios instrumentos.
• Cantata: Parte de la ópera donde se alternan el narrador y los diferentes personajes en una escena lírica sin acción teatral.
• Oratorio: En realidad no es una forma vocal, sino una composición de carácter religioso, también denominado ópera religiosa, en la cual no hay parte escénica, ni de actuación, vestuario decorados, etc.
• Bel Canto: Forma vocal caracterizada por libertades interpretativas, donde el uso del rubato (elasticidad rítmica) y la libre ornamentación la fue llevando a absurdos excesos. Fue el origen más tarde de la cadenza en el concierto para instrumento solista.

FORMAS INSTRUMENTALES

• El Concerto Grosso: Se derivó de la escritura para grupos. En esta forma musical, uno o varios instrumentos se destacan (concertino) en determinados pasajes, en contraste con la generalmente reducida orquesta (tutti o ripieno). Sus primeros representantes fueron los italianos Corelli y Geminiani. Más tarde sería el maestro Vivaldi quien llevaría el concerto grosso a su máxima esplendor. A partir de él, esta forma tuvo por lo general 3 movimientos (allegro-adagio-allegro), y se sentaron las bases del virtuosismo de los solistas en el futuro.
• La Suite: Es un conjunto de danzas contrastantes y en la misma tonalidad (generalmente), pero con diferente medida y tiempo. Con Bach y Haendel adquirió una estandarización con cuatro danzas principales: allemande, courante, sarabande, gigue, precedida por una introducción denominada preludio u obertura.

1. Preludio: Introducción. A veces formado mediante la improvisación sobre un tema rítmico o melódico.
2. Allemande: Danza lenta de ritmo binario, de carácter expresivo y melódico.
3. Courante: De ritmo ternario, y carácter animado, suele contrastar notablemente con la anterior.
4. Sarabande: Danza lenta, majestuosa e imponente. Un componente infaltable de la suite barroca, con ritmo ternario, con stress o prolongación del segundo beat de cada compás. Curiosamente, no tiene relación alguna con la rápida danza con el mismo nombre, que las postrimerías del siglo XVI fuera prohibida por Felipe II de España por su carácter lascivo.

Si bien estas cuatro danzas fueron las más importantes, con frecuencia se incluían algunas adicionales como Bourré, Gavotte, Minuet, y otras.

• La Sonata: Es una composición de estructura binaria o ternaria, ejecutada por uno o dos instrumentos, en tres o cuatro movimientos. Existían dos tipos de sonata: La Sonata de Camera (sonata de cámara, basada en movimientos de danzas) y La Sonata de Chiesa (sonata sacra, de carácter más serio).
• La Toccata: Básicamente es una pieza musical destinada generalmente para instrumentos de teclado. Tiene como características sus pasajes virtuosísticos de lucimiento. Se le asocia estrechamente con la fuga en el Barroco Tardío. Luego perdería importancia.
• La Fuga: Composición musical que tuvo su origen en el renacimiento. Consiste en su forma más simple, de una composición que gira sobre un tema y su contrapunto, repetidos en diferentes tonos. Es como si la melodía se fugara de una voz a otra en imitaciones interminables. La fuga obtiene con Bach su estructura perfecta. De esta forma se contemplan cuatro secciones:
• Exposición: Aparece el tema en cada una de las voces en forma sucesiva. El tema melódico que está en la tónica se le denomina sujeto y al que va en la dominante se le denomina respuesta. A veces hay un tema secundario llamado contrasujeto.
• Desarrollo: Se “juega” con los aspectos rítmicos y melódicos del tema central.
• Sección Conclusiva: Regresa el tema central en su versión original, pero se advierte la proximidad del fin.
• Coda: Es una pequeña sección que afirma el tono central de la obra para darle su sentido conclusivo.

LA MÚSICA SACRA

La música religiosa católica (música sacra) aspira a elevar dignidad y solemnidad de la liturgia y afianzar las exaltaciones de ánimo de los fieles. Según la tradición, en primer lugar aparece el coral gregoriano homofónico. El coral, entonado por la Schola, era acompañado en la iglesia por el órgano o alternaba con un juego polifónico de este instrumento. Además del coral, en la música sacra católica figura la polifonía en estilo antiguo (a cappella) y un moderno (monódico, concertante, con bajo continuo), y además la música de órgano, la canción sacra que entona la comunidad y otros tipos de música religiosa, como oratorios, concerti ecclesiastici, cantatas, etc.

En los géneros polifónicos se incluyen: misa, motete, salmo, Te Deum, Magnificar, antífona, secuencia. Innovaciones son principalmente el estilo monódico y el concertante. El último se había configurado, sobre todo, en San marcos de Venecia, mientras la monodia fue llevada del ámbito profano (ópera) al religioso.

La más decisiva aportación a la música sacra católica en el primer barroco se debe a Monteverdi:

• Misas y movimientos concertantes aislados.
• Ciclos de Vísperas y Magnificat, salmos e himnos concertantes.
• Motetes antiguos (polifónicos) y modernos (para solista).
• Madrigales sacros.

Los Motetes incorporaron a menudo en el siglo XVII acompañamiento orquestal y sinfonías introductorias.

MÚSICA DE CÁMARA

Es toda música escrita para un único ejecutante o para pequeños conjuntos de solista, como dúos, tiros, cuartetos, etc. En el barroco principalmente las sonatas para 1 ó 2 instrumentos melódicos y bajo continuo.

Aparecieron poco después de 1600, cuando se trasladó el principio monódico del canto al instrumento.

La sonata en trío es el género principal de la música de cámara barroca. Esta escrita a 3 voces (4 interpretes). La distribución habitual de las voces superiores: 2 violines, también 2 flautas, oboes, violas u otras combinaciones.

Si la sonata en trío se amplia (a partir de 2 o mas instrumentos cada voz), la música de cámara para solistas se convierte en música orquestal coral.

Hacia 1700 surgen 2 tipos característicos:

• La sonata da chiesa: Utiliza el órgano para el bajo continuo.
• La sonata da camera.

CONCERTO GROSSO

El concerto se convierte a mediados del S. XVII en el género instrumental típicamente barroco. Ya en las antiguas canzonas, sonatas y sinfonías existía esporádicamente la alternancia de todos los instrumentistas (tutti) con grupos de solistas (soli, concertino). La música francesa gustaba del cambio de registros de toda la orquesta con un trío de viento. Ello condujo a la distribución del concertino con instrumentos de cuerda o viento.

Los conciertos instrumentales se tocaban en la iglesia: a la entrada y la salida, durante la comunión, en Navidad. En el curso del S.XVII sustituyeron a las antiguas sonatas, canzonas y sinfonías de iglesia. El gusto barroco sentía predilección por los grandes conjuntos.

Los conciertos instrumentales se tocaban antes de los oratorios o intercalados entre sus actos. Además de la cuerda, los italianos potencian los oboes, trompetas y trompas en el concerto grosso, y los alemanes las flautas, oboes y fagotes.

ORQUESTA

En el siglo XVII surge también, con la primera música instrumental autónoma, la orquesta. El conjunto de varios instrumentos estaba poco regulado anteriormente. También en el barroco temprano indicaban casi siempre los compositores únicamente las tesituras vocales (soprano, contralto, etc.). Solo en el curso del siglo XVII trabajaron con las posibilidades sonoras y el timbre característicos de los instrumentos.

El concepto de orquesta se empieza a aplicar en el S. XVIII a los instrumentistas.

Evolución de los Instrumentos, formación de la orquesta.

En la búsqueda barroca de la expresión de los sentimientos se da preferencia a los instrumentos con capacidad expresiva y posibilidades dinámicas.

El violín se convierte en el principal instrumento. Oboe, flauta y trompa incrementan su sonoridad.

La base de la orquesta Barroca la conforma el Bajo continuo y la cuerda; el resto es adicional. El barroco forma la orquesta como conjunto con posibilidades de registros y sutiles gradaciones.

Aparecen Orquestas como:

• Orquesta de Corte: fiestas, diversión.
• Orquesta de la Opera de los teatros públicos
• Orquesta de iglesia.

INSTRUMENTOS

EL ÓRGANO

Alcanza en el Barroco su ideal constructivo. Posteriormente no habría nada que mejorar en él. En el barroco llega a su esplendor la música de órgano.

El sonido nítido y espacioso del órgano se corresponde con la percepción musical barroca: representación ampulosa, concertante, fuertes afectos y contenido especulativo y religioso que apuna más allá del hombre. La expresión subjetiva del estilo sentimental hizo que más tarde decayera la música de órgano.

INSTRUMENTOS DE TECLADO

Por música de tecla se entiende música para cualquier instrumento de la familia del órgano, clave y clavicordio.

El clavicordio: tiene un sonido muy suave, dinámica variable, es vivaz.

El clave: es más brillante, concertante, y era utilizado por los organistas como instrumento de ensayo doméstico.

Los limites con la literaturas para órgano son difusos, si bien existe:

• Genero y contenido: la música sacra está pensada principalmente para órgano, la profana (como las danzas) para clave.
• Diferencias técnicas: el clave no tiene pedal del órgano, el órgano puede mantener notas largas, cosa que el clave apenas puede hacer (notas repetidas, trinos); ambos tienen dinámica de terrazas.

Instrumentos de tecla y órgano son fundamentales en el Barroco por la posibilidad de realización del bajo continuo (ejecución de acordes y del juego concertante polifónico.)

EL PIANO

El nuevo carácter de la música del siglo XVIII engendra también nuevas estructuras y géneros en la música para Piano. Se busca la expresividad, hallándola en la melodía. El acompañamiento pasa a segundo plano. En lugar de la polifonía barroca con varias veces equivalentes predomina ahora la voz superior sobre un acompañamiento homofónico con nuevos elementos rítmicos y temáticos en la mano izquierda. La variedad armónica del bajo continuo deja paso en el estilo galante y virtuosístico a una armonía más sencilla. Posteriormente el estilo sentimental traerá consigo una nueva grabación cromática.

VIOLÍN

En el barroco, la interpretación y construcción del violín alcanzan gran altura.

EnItaliala interpretación del violín se deslinda de la de la viola hacia 1600.

Desde comienzos del siglo XVII, la literatura para violín se desarrolla en la orquesta (sin técnica interpretativa compleja), la música de cámara para varios violines, en especial la sonata en trío, la literatura para violín solo.

La interpretación violinística alemana del siglo XVII es menos virtuosística.

Francia: Lully, abrió un nuevo camino para su instrumento en cuanto base de la orquesta. Bajo la influencia de la suite y de las piezas características de los clavecinistas del siglo XVII surgió la literatura para violín del siglo XVIII, con Vivaldi como modelo.

COMPOSITORES

Parauna descripción más clara, se clasificarán los más grandes compositores de acuerdo a su nacionalidad: italiana, francesa, inglesa o alemana.

ITALIA: Una de las naciones más importantes en el barroco, tanto en el arte como en la música. Los compositores más importantes de la época fueron:

• Claudio Monteverdi (1567 – 1643): Fue el gran maestro de la ópera florentina. Su obra L’Orfeo (1607) marcó un hito en la historia operística. También compuso otras óperas (Arianna, 1608; La Coronación de Popea; 1641, etc.), salmos, motetes y madrigales.
• Tomaso Albinoni (1671 – 1750): Violinista y compositor veneciano. Compuso obras instrumentales y numerosas óperas que se conservan incompletas. Bach utilizó algunos de sus temas.
• Arcangelo Corelli (1653 – 1713): Compositor y violinista. Principal representante del Concerto Grosso. Compuso cinco colecciones de sonatas para iglesia y cámara (1681 – 1700) y una de concerti grossi (1714).
• Francesco Geminiani (1687 – 1762): Violinista y compositor italiano. Autor de sonatas para violín y clavecín de concerti grossi y de un método sobre técnica violinística (El Arte de Tocar el Violín, 1731). Vivió y enseñó muchos años en Dublín y Londres.
• Domenico Scarlatti (1685 – 1757): Organista, clavecinista y compositor. Compuso más de quinientas sonatas para clave, óperas y cantatas. Sobresalió por su virtuosismo en el teclado.
• Alessandro Stradella (1642 – 1682): Compositor y cantante, uno de los máximos exponentes de la escuela napolitana. Contribuyó a la evolución del aria, el oratorio y la cantata. San Juan Bautista (1675, oratorio), Doriclea (1677, ópera).
• Antonio Vivaldi (1678 – 1741): Compositor y violinista, de la escuela barroca veneciana. Se ordenó sacerdote (1703), si bien tuvo que renunciar al ejercicio de su ministerio, y fue profesor de violín en el Hospital de la Piedad. Junto con Corelli, fuel el más importante representante del concerto grosso. Verdadero creador del concierto para solista.Intérprete virtuoso (considerado el precursor de Paganini!) autor brillante y colorista (dominio del contrapunto, exhuberancia armónica), realmente un personaje anticipado del Romanticismo. Compuso más de 470 conciertos, unas 45 óperas, unas 75 sonatas, etc. Sobresalen sus Concerti Grossi, en especial Las Cuatro Estaciones, incluidos en El Fundamento de la Armonía y la Invención (1725). Definitivamente es mi compositor favorito.

FRANCIA

• François Couperin (1668 – 1733): Fue junto con el Italiano Scarlatti, uno de los más grandes clavecinistas de la historia. Fue llamado Couperin el Grande. Autor de un método didáctico (El Arte de Tocar el Clavecín, 1716) y de numerosas composiciones (obras para clavecín, corales, sonatas, danzas, etc.).
• Jean-Baptiste Lully (1632 –1687): Compositor francés de origen italiano. Fue el creador de la ópera francesa. Cadmo y Hermione (1673), Rolando (1685), Armida (1686) fueron algunos de sus trabajos operísticos.
• Jean-Philipp Rameau (1683 – 1764): Compositor renovador de la ópera francesa clásica. Conocido organista y autor de piezas para clave, debutó en el género operístico en plena madurez, con Hipóclito y Aricia (1733); del resto de su producción, caracterizada por la riqueza orquestal y la intensidad expresiva, se destacan Las Indias Galantes (1735) y Cástor y Pólux (1737). Intervino en la “querella de los bufones”, a favor de la tradición, y dejó escrita una importante obra teórica (Tratado de la Armonía Reducida a sus Principios Naturales, 1722)

INGLATERRA

Henry Purcell (1659 – 1695): Fue miembro de una familia de músicos de la corte. Se mantuvo dentro de la tradición contrapuntística, aunque dando más realce en sus obras a la melodía. Considerado como el iniciador de la ópera inglesa con su Didos y Eneas (1690), también escribió cantatas, odas, sonatas, y suites instrumentales.

ALEMANIA: Alemania fue la cuna de los más grandes compositores barrocos: JS Bach, GF Haendel y GP Telemann.

• Johann Sebastian Bach (1685 – 1750): Organista y compositor. El más célebre de la familia (y de toda la historia de la música :). Fue músico de la corte, organista en Weimar y maestro de capilla en Leipzig. Gran renovador, elevó la fuga a su máxima expresión, extrayendo de. ella todas las posibilidades contrapuntísticas. De su vasta obra cabe destacar numerosos preludios, toccatas, suites, sonatas, partitas, corales: El Clave bien Temperado, los Conciertos de Brandemburgo, el Magnificat, la Pasión según san Mateo, el Arte de la Fuga.. Personalmente, es uno de mis compositores favoritos.
• Georg Friederich Haendel (1685 – 1759): Clasificamos a Haendel entre los compositores alemanes por su nacimiento, pero por su obra, lo deberíamos incluir entre los italianos o los ingleses. En su vasta producción sobresalen óperas (Agripina, 1709; El Pastor Fiel, 1714) y, sobre todo, los oratorios, más dramáticos que religiosos (El Mesías, 1742; Judas Macabeo, 1745).
• Johann Pachelbel (1653 – 1706): Compositor y organista alemán. Fue considerado el precursor de Bach. Su obra, ecléctica y exenta de artificios, comprende cantatas, motetes, fugas, suites, corales. Una obra importante fue Divertimento Musical (1691).
• Georg Philipp Telemann (1681 – 1767): Fue maestro de capilla en Hamburgo. Al igual que Bach, combinó elementos alemanes, italianos y franceses, representando la síntesis entre la escuela contrapuntística y el estilo armónico. Dejó una extensa producción, tanto de música religiosa como profana.
• Sylvius Leopold Weiss (1686 – 1750): Fue el principal compositor para laúd de la escuela del Barroco Tardío. Su extenso número de trabajos que hoy día se conserva es una fértil fuente para guitarristas.

LA ARQUITECTURA

El dolor psicológico del Hombre, en busca de anclajes sólidos, se puede encontrar en el arte barroco en general. El virtuosismo fue investigado por los artistas de esta época junto con el realismo. La fantasía y la imaginación fueron evocados en el espectador, en el lector, en el oyente. Todo fue enfocado alrededor del Hombre individual, como una relación directa entre el artista y su cliente. El arte se hace entonces menos distante del usuario, más próximo a él, solucionando el hueco cultural que solía guardar.

Se ha dicho que el Barroco en Arquitectura es un estilo que podría dar al papado un camino formal imponente de la expresión que podría restaurar su prestigio, al punto de hacerse de alguna manera simbólico de la Contrarreforma. Con eficacia, fue con éxito desarrollado en Roma, donde la arquitectura barroca renovó ampliamente las áreas centrales con la adición (o revisión) urbanística más importante. Pero muchos otros ejemplos son encontrados en otras ciudades europeas (y en las Américas españolas). Tiene que notarse sin embargo que el Barroco abarcó muchas artes, y no solamente la Arquitectura; fue una innovación cultural general.

Citar este texto en formato APA: _______. (2013). WEBSCOLAR. El Periodo Barroco, su música y formas instrumentales. https://www.webscolar.com/el-periodo-barroco-su-musica-y-formas-instrumentales. Fecha de consulta: 22 de diciembre de 2024.